学院：机械工程学院

班级：测控0901

学号：3090302026

姓名：蔡志鹏

《中国画欣赏》学习心得

中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我也正是带着一种对中国画的好奇与探求心走进颜老师的“中国画赏析”这门课。在颜老师的指导和鼓励下，我们赏析了许多优秀的中国画作品虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识，体会。首先就是我学会赏析一幅中国画，要赏析它的意境境界，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画。如“行到水穷处，坐看云起时”，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是意境境界。好画一定要有境界，有一种延伸到画外很远的地方的意味儿。这就是颜老师常和我们讲的“画外”吧。还有颜老师给我们讲从一幅画仿若能看出一个人的所思所想，我受此启发，觉得看一幅画仿佛更能看出一个人的性格品行。古人说“人品不高，落笔无法”。这个说法我也很赞同。比如说一个人如果没有什么气度，画就谈不上有什么意境气韵，如果一个人特别注重自己的气质修养，那么他的笔墨之间一定会少几分浮华，多了几分真美。

中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但 1

其末流则走向因袭模仿。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。

中国画之说以冠以中国2个字，就说明了其“中国特色”的独特性。绘画是二维空间艺术最典型的样式, 其基本特征就是自身的平面性然而, 由于绘画的空间表现形式, 从总体上讲有具象、抽象和意象之分, 所以在平面的处理上又各有区别。中国画是以表现“ 意象” 为主要特征的, 因此, 中国画欣赏, 实为对二维空间意象美的欣赏, 它是直观性的具体化, 是中国画欣赏的独特性所在中国画的意象美, 离不开平面形式要素的组合,中国画家用一定的笔法所呈现的线条, 是自然节奏冬去春来、花开花落的自然物运动时空规律与心灵节奏对自然的感悟而于心中产生的韵律的融合形一艺术的节奏韵律因此, 线条在中国画中不仅具有描绘物象之功能, 同时还蕴涵着相对独立的审美价值, 可以看出, 不同的造型, 具有不同的空间意识具象性绘画强调物理空间客观的再现抽象性绘画主张心理空间意识主观的表现而中国画既不杜撰非目所知的“ 抽象” , 也不甘写极目所知的“ 具象” , 只是倾心于以意为之的“ 意象” , 是主、客观融为一体的意象空间意识的呈现它构成了中国画欣赏的独特性。

中国画欣赏有着一定的层次性, 它包含着以下三方面逐步递进的内容：一是表层，表层是官能欣赏的层次, 主要是对画面形式技法所构成的形象的观赏中国画的技法有着十分丰富的内容, 包括笔法、墨法、色法、章法以及各种特技方法等等。二是作品在一定时代背景中表现的个性, 即把作品放到作者的经历、思想发展的纵向上从而进一步领会表层, 与作品发生共鸣。而里层继续体会作者的意境时候，便不知不觉得进入了深层：深层是里层的继续, 是把作品置于中国画发展的历史长河中来省视, 通过对中国画艺术来龙去脉的领悟, 而作出理智性的判断欣赏进人深层次。中国画欣赏过程中相互联系、相互作用的一个整体构没有对作品的技法所构成的形象的了解, 就无后者可言反之, 如果不进人第二、三层, 欣赏只能停留在表面上, 对技法形象的理解就会是空洞的三者处在由表及里、由里至深、由深复表的循环往复的螺旋式上升之中这里面包含了感性与理性的双向作用, 也就是前文所说的中国画欣赏的直观性这一基本的特征。 2

总之，上了颜老师的“中国画赏析”这门课我最大的收获是我真正的看到了中国画的魅力所在，并爱上了中国画。我相信在中国画的吸引下，我以后还会继续去了解和探究中国画，中国传统文化等我们先辈给我们留下的中华民族的瑰宝。

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第二篇：怎么欣赏国画

怎么欣赏国画

早在一千五百年前，南齐的谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论，即：“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动，是对作品的总体要求，是艺术应达到的最高境界。也是品评、赏析中国画的主要准则。

气韵，在传统中国画中，是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画，无论老手后学，先以气胜得之者，精神灿烂，出之纸上”。“气”的词组不胜枚举，如：气韵、气脉、气概、气势、骨气、豪气、霸气、灵气、逸气、匠气、俗气、金石气、阳刚气、脂粉气……等等。可见“气”字弥漫四散！既有崇高之气，亦有形下之气。

元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则板呆矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，能会生动，则气韵自在”。气韵生动成了绘画的首统要义，成为画家在创作中追求的最高目标。也成为中国画品赏的主要准则。中国传统人物画强调“动势”、“传神”、“神气”，山水画重视“气势”、“意境”、“气象”，花鸟画侧重“态势”、“生机”、“意趣”，所有这些无一离开气韵生动这一绳律。

总之，气韵生动是绘画的一种整体感应，是一种精神透析，是一种生命状态领悟。好的作品总是伴随着气韵而生，历史上流传下来的佳作，都具备气韵生动的特点。

欣赏作品要看笔墨

“六法”中，谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则，体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏，以写神、写性、写心、写意为目的。所以说，写意性是中国画的精神实质。

中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以面作画易于模糊、平板，用线最易捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂，是作者在抒情达意中的宣泄。

千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条。并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，有画面上构成造型的诸多形式。

用于绘画的线条是有生命力的。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。国画大师黄宾虹先生把绘画的点线用五个字概括：“平”、“留”、“圆”、“重”、“变”。平：如锥划沙，笔锋与纸保持在一个水平上，运压力与提浮力相衡。留：如屋漏痕，笔在运行中感觉有阻力，在与纸摩擦的阻力中艰涩前行。圆：如折钗股，指用笔圆浑有力，浑厚、不露锋芒，富有弹性。重：如高山坠石，用笔要用劲，要有力度，力透纸背；打点，象高山掉落的石块那样有份量。变：变化，笔画形成多样性对比，不雷同。

运用绘画中的气与力是紧密联系在一起的，没有气就谈不上力，中国画家讲究以气运力，有气为活笔，无气为死笔。笔断意连、形断气连、迹断势连均有气接，因而作品才能气势逼人。

笔韵是中国画家追求的较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。

笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势，三者完美的结合，方称上佳的用笔。或古拙质朴、浑厚苍劲、刚健挺拔、或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱，无不是画家千锤百炼，用心血和汗水浇灌的结果。相反，板、刻、结、漏、死、滞、浮、弱、俗的线条是画家所不取的。驾驭线条的能力，也是衡量画家水平的关键。

中国画以墨为主、以色为辅，是其基本特点，笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么中国画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间（加水量多少）形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠风不待五色而粹。是故运墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨，认为：画面太枯则有燥气，画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。

欣赏作品要看构图、形式

中国画的构图有多种形式，也有多种提法，习惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一，但其意相同，即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低，或奇特或气庸，构图至为关键。构图的好坏，对作品的成败起着决定性的作用。

构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力，反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调。

构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物，给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体现象，只求构思和形象入“理”。

中国画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。中国画多采用“三七停”起手法则，多把主体物象放在三七点上，对打破均衡，匀称起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视觉美感。

看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“豪放不忘精微”，往往在细小的部分更能体察作者的绘画能力。

“ 六法”精论，千古不移，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法撼动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点。用这一法则鉴赏、评价中国画作品，其高低自可辨也。