《艺术的精神》

康定斯基一生中经历了两次世界大战，当时的欧洲正处于“世纪末”的颓废神秘的文化氛围中，这使他的艺术不可避免地受到当时流行于欧洲的“通神学”的影响，加上早年接受的音乐教育以及对瓦格纳音乐地崇拜，使他贬抑写实主义艺术而极力推崇抽象主义艺术，提倡绘画应当表现的是掩盖在事物的面纱之内的闪光的精神。他认为“凡是内在需要的，发源于心灵的，就是美的，”并按照他的“内在需要原则”对绘画中的形和色等要素与心灵的关系作了独特的解释。他甚至把色彩比喻成琴键、音缀、音符等，认为“色彩的和谐只能以有目的地激荡人类的灵魂这一原则为基础，色彩与形是内在精神和谐的物质媒介。”

由于对形和色的及其关注，构件起了康定斯基对绘画的“内在声音”这一概念的提出和确认。在此，他提出了通过色彩和形所表现出的“运动”和“张力”等术语，要求绘画与宇宙达到同一性。鉴于此，他又特指点、线、面等作为绘画的基本要素它们在绘画中也有独立地表现价值，是构成绘画语言的基本元素，抽象绘画的价值就是这些元素内在声音地和谐展示。

康定斯基的这些主张带着明显的危机意识和改造现实的雄心，他的主张与理论体现了同时代的很多画家的艺术追求与审美理想，也正因为此，康定斯基成了20世纪以来伟大的抽象主义画家。

康定斯基把对艺术的追求比喻成一个三角形，要么爬到顶端，要么滑到底部，他认为这很形象，爬到顶端的永远是个别的出类拔萃的人，而那些多数的待在底部的人永远都死气沉沉。由此，康定斯基非常主张绘画中对内在生命地传达。他推崇凡高、塞上、马蒂斯、毕加索等一些画家，认为他们的艺术都是富有生命的艺术。他认为各种艺术门类应当相互学习和借鉴，以弥补自己的不足，研究新的规律即创新艺术的方法。“每一个深入自己艺术杰作隐秘内在的人，都是创建正向高空升腾的金字塔的令人钦慕的劳动者。”

在谈到形和色彩的作用时，康定斯基认为他们都是绘画的基本语言，每一种色彩都代表一种声响，各种色彩混合在一起也有声响，当这些色彩的混合或组合为和谐的时候就构成了“音乐”，他把绘画与音乐的共性结合在了一起。但他同时认为“只有形式才能作为对对象的描写，或作为对平面空间的纯抽象限定而独立存在，而色彩不能单独存在。形式本身也有自己的声响，各种形式和谐组合也构成了音乐”。

可见，康定斯基在他的抽象绘画中始终不遗余力地强调形式和色彩作为绘画中的基本因素它们和音乐的共性问题。每一个形式和形式的组合，每一块色彩和色彩的组合，都有音响。它们的组合不是无目的无规律的，而如果要形成有目的有规律的组合的话，靠的是“内在必须原则”，从而是画面的各种形式和色彩最终形成统一，产生和谐的音乐和张力。“所有的手法都是神圣的，假如它是内在必须的话”。为了使他的理论和时间达到高度地统一，并向更高级发展，康定斯基对形式和色彩规律都做了大量的研究。“形式是内容的外在表现，精神的呼唤是形式的灵魂。”

然而，在当康定斯基的抽象主义艺术已经非常成就的时候，在谈到形式与精神关系问题时，康定斯基认为：“不管何种形式都是为精神服务的”。从这个角度

讲，抽象主义和写实主义作为两种风格不同的艺术表现方式，它们的目的是相同的，都是为召唤精神出现的。伟大的抽象以伟大的写实基本形来显现，伟大的写实又为伟大的抽象所利用。艺术表现为抽象还是写实取决于对抽象或写实的量的限定，它们的终极目标是一样的，都服务于人的精神。从这个角度来讲：二者在对立性的关系中，可以划上相等的符号，即

写实=抽象

抽象=写实

于是他得到了最终的结论：

“纯粹抽象与纯粹写实完全一样，纯粹抽象也有存在的一面，也要对事物加以利用。这里还可以划出另外一个符号，即最大限度地否定或最大限度地肯定对象性要素。这种等式得以成立的原因在于双方皆将内在地呼唤具体化，且拥有同一的目的”二者在对立中统一。

 

第二篇：论艺术的精神读后感

在康定斯基的《论艺术的精神》中，艺术完全由一个具有着亚裔血统欧洲人用“精神”的力量释放包围——艺术，在伟大的20世纪显现出了它前所未有的内在力量，被无数注重人性的艺术家和理论家重新解读与创造。从这本书的总体风格来看，书中弥漫着沃林格尔对艺术表现的本质解释以及20世纪整个思想文化氛围下的尼采、叔本华等所提倡的自我意志的含混氤氲，这是把二元论作为世界观的典型体现，并且也是康定斯基的抽象绘画创作的思想源泉及理论基础。

自康德起，艺术就不断地寻找它自律的道路，像现代人寻找个人位置一样，艺术在欧洲经历了几百年的注重“写实”的探索之后，逐渐的开启了新的方法道路。“为艺术而艺术”的口号，不但深刻影响了19世纪的法国文坛，同样在艺术领域里掀起了轩然大波。直到20世纪，抽象主义作为主导艺术之一“决定着我们这个世纪的面貌”，叔本华在《康的哲学批判》一书中作了这样的描述“我们生活于其中的可见世界幻觉的产物，是一种骗人的巫术，一种把视觉幻想和空间加以比较所产生的无根基、即无自身本质的外观，这个可见世界是一层环绕着人类意识的浑浊的迷雾，它是那种同时是错误和真实的东西，这种东西人们可以在说他不存在的同时说他是存在的。”康定斯基在欧洲19世纪末20世纪初的思想文化产生着巨变的背景之下，追求精神自由，强调内在力量的作用，成为了《论艺术的精神》的原动力与理论出发点。

论艺术的精神，是康定斯基的最重要的理论文献之一，这篇文章分为了概论与绘画两个部分。概论中用引言、运动、精神转折点与金字塔四个小部分解释了他对于艺术品、艺术家等的定义与互动把艺术的过程与变化归结到精神的作用并以一种运动的方式把这个过程展现给读者。

“所以一件艺术作品的形式有不可抗拒的内在力量所举，这是艺术中唯一不变的法则。一件优美的作品是内涵和外表统一和谐的结果：换句话说，一幅画是个精神有机体，他像一切物质有机体一样，是由很多部分组成的。”艺术的原动力来自于强大的精神力量，这种力量积极向上、催人奋进。在作者对人类自身的认知中，灵魂与肉体紧密相连，它通过各种感觉媒介产生印象。演绎了欣赏艺术品的整个过程：感情（艺术家的）——>感受——>艺术作品——>感受——>感情（观赏者的）。整个过程似乎揭示了作者的理论主旨：精神至尚。艺术品的形式应该“内在的，所以它孕育着希望和未来。”艺术作品包含着艺术家的灵魂，艺术家是“能够描绘一切事物的人。”抽象的论述和高亢的基调铺垫了艺术精神的“运动”，精神生活所代表的“巨大的锐角三角形”，也许也是康定斯基绘画思维的产物，又也许是他抽象成果的宣言符号。这个巨大的三角形需要冲破的，不仅仅是旧的“怎样表现”的向上的物理运动，同时在内部的形式里也有着层出不穷的关于艺术与艺术家的稳定结构。

随着三角形的运动，内部的结构似乎在一个临界状态开始动荡，带着摇摇欲坠和呼之欲出的惊悚，人类的精神终于出现了康定斯基所认知的“转折点”。在“精神的转折点”一节中，蕴含着批判的影子，康定斯基提出了他对于时代思想混乱的出路及自己的艺术理论基础：通神学，并把人们的注意力转向了内心。他标榜了布莱维斯基夫人的理论把梅特林克与瓦格纳作为了例证的典型从象征与重复的文学手法与结构等发掘了艺术精神的表现形式。在他所引证的伟大的艺术家之中，有音乐家和印象主义、野兽派和立体主义画家，但无一不都指向了他所旨在阐明的艺术的内在精神力量即向上的，冲破传统追求自由的状态。

在“金字塔”一节中，充满了康定斯基近乎豪迈的对艺术的展望“‘自我分析’可以把每门艺术和其他艺术区分开来，它们之间的相互研究使他们的内在努

力重新结合。每门艺术均有其独有的力量，这是无法相互替代的。最后，各门艺术的独有力量可以相互配合，而这种配合终将导致我们现在可以展望的一门新的艺术——真正史诗性的（monumental）艺术。”

《绘画》是《论艺术的精神》中的第二个部分。这个部分可以看成是第一部分的理论实践。绘画是康定斯基在三十而立之后才开始追求和耕耘的艺术形式。在这部分里，显然是康定斯基在此之前的，对于艺术的无尽热爱和探索的一个总结性的结晶成果。看康定斯基的画，我们不难理解这部分所诠释的内容，像他提倡的“感觉”一样，我们用内心的情感去感受他的画：丰富、跳跃的色彩，绚丽的、仿佛又节奏的音乐感??在这部分或者描述或者解释的理论中就能更深的了解作者所言的理念。艺术是发自于人类的需要，绘画“色彩和谐统一的关键最终在于对人类心灵有目的的启示激发；这是内在需要的指导原则之一。”而内在需要原则成为了超脱于非本质的、普遍存在和唯一纯粹的艺术标准和原则。在第一部分中，康定斯基对于“金字塔”的理论揭示了他所理想的史诗性的艺术。音乐和绘画的紧密联系必会使绘画在抽象性上发展，最终达到绘画构成的境界。在“形式和色彩语言”中，有种种神秘的质感，那种说不清道不明又蛊惑着抽象艺术蠢蠢欲动的情愫围绕着心理学和形而上构成了“纯粹结构形式”最终提出了“数是各类艺术最终的抽象表现”理论。“凡是由内在需要产生并来源于灵魂的东西就是美的。”

艺术家要具有的三大责任：1）他必须发挥出自己的天才；2）他的行为、情感和思想与常人一样，但他却必须用他们创造出一个精神境界，这精神境界要么情节纯净，要么掺进了杂质；3）他的行为和思想是创作的素材，他们将会对他创造的精神境界发生影响。从这种互动式的纲领下，似乎隐含了康定斯基对于现代艺术的理解。在最后的“结论”中，康定斯基表明了他的观点：“我们正在迅速临近一个更富有理性、更有意识的构成的时代，在这个时代中，画家们将自豪地宣布他们的作品是‘构成的’——这是与他们根本解释不了的印象主义者的主张相对而言的，宣布他们的艺术来自于灵感。我们面临的是一个有意识的创造的时代，绘画中的这种崭新的精神正与思维携手并进，正在迈向一个伟大精神的纪元。”不得不说，这是构成主义的宣言，抽象艺术的先锋理论之作。