歌剧欣赏

学院：科技学院 学号：2009461115 姓名：潘久伟

作业一

娜塔莉·夏高

娜塔莉的父亲是加拿大外交官，20岁之前就已经走过大半半个地球，她出生于东京，从9岁到意大利接受歌剧洗礼，15岁时更远赴莫斯科学习声乐，而后，她回到加拿大专攻声乐表演，因为这些专业背景，让她无论是在专业录制或现场演唱会上，都能以天籁般的歌声征服听众，加上平易近人的选曲，包括多种音乐风格，娜塔莉夏高完全超脱传统限制，成为大奖不断、国际瞩目的超级女伶，她精通法、西、义、德等12国语言，合作过的对象包括席琳迪翁最喜欢的作词家 Eddie Mamay 、日内瓦室内交响乐团、蒙特利尔交响乐团、俄罗斯新圣彼得堡爱乐等，从94年起，举办超过250场全球巡回演唱会，以风格活泼著称，魁北克国际音乐节观众为她起立鼓掌达7分钟之久，得过多项音乐大奖，其中以98年法国若维国际音乐节「评审团大奖」和「最佳人缘奖」最具代表性，是一位实力和人气兼备的美声天后。 如果你钟爱纯净的人声，却又不顾被商业作品所迷惑，那么娜塔莉夏高以古典声乐混揉现代气音的[新美声]唱腔，跨界演出民谣、古典、流行等多元风格，处处展现超级实力和无比的亲切感，绝对让你一听就惊艳。如果你对声乐的印象，还停留在双手捧着丹田使劲唱歌的话，那么，娜塔莉夏高清亮的歌声和活泼多变的演出方式，势必让你完全改观 专辑简介 《月亮的女儿》的制作人CLAUDE SIMARD精选法国、英国、希腊、西班牙等地民谣及流行名曲中最美的曲目，并重新编曲后，透过娜塔莉夏高柔美的歌喉，以法语特有的婉约音韵，映照出皎洁如明月的聆听风景，不仅保存了原曲原味，还完全调和古典、民谣、电影、流行等多种风格。 主打曲《森林里的夜莺》改编自法国南部亚尔萨斯的民间传说，叙述王子皮耶与妻子海伦娜这种神仙眷侣，因为遭到女巫贝拉嫉妒，而施魔法将海伦娜变成夜莺；伤心的皮耶日夜向上天祈祷，甘愿放弃一切，只希望能学会夜莺的语言，告诉海伦娜一句[我爱你]。法国民谣原为男女对唱曲，但娜塔莉夏高欲揣摩海伦娜的心情，从女人的角度诠释这首曲子，听起来优雅中带着凄美，宛如述说海伦娜永生无法和爱人皮耶相守的哀伤，在娜塔莉夏高清澈的高音下，更显得这段爱情的纯洁高贵，令人动容。

作业二

专场音乐会所有曲目的顺序：

1．夜之后 莫扎特《魔笛》心中燃烧着怒火

2.威尔第《游吟诗人 爱情乘着歌声的翅膀》

3.啊，我生活在美梦中 古诺歌剧 《罗密欧与朱丽叶》

4.夏日时光 《波奇与贝丝》格什温歌剧

5.日本民谣《红蜻蜓》

6. 普契尼《蝴蝶夫人 晴朗的一天》

7.比才《卡门 序曲》

8.比才《卡门 哈巴内拉舞曲》

9.《斗牛士之歌》 比才卡门

10.《卡林卡》 俄罗斯民谣

11.基辅大门 穆索尔斯基《展览会之画》

12.印度之歌 《沙德可》里姆斯基。科萨科夫

13. 莫扎特《欢欣鼓舞 哈利路亚》

14.歌后插曲 拉嘉斯

15.我的心门为你开 《参孙与莲莉亚》

16.舞曲

17.晨曲 雷翁卡伐洛

18.《我的太阳》 意大利民歌

19.《今夜无人入睡》

普契尼《图兰朵公主》

20.我要远走 卡塔拉尼《华丽的姑娘》

作业三

歌剧《卡门》 观后感

在上节课上，我们看了一部歌剧，其中我最熟悉的还数经典歌剧《卡门》。以前我只是知道这是法国普罗斯贝尔·梅里美写的短篇小说，大致情节了解，但觉得并不独特。看过比才的歌剧《卡门》后，就有一种焕然一新的感觉。

歌剧完成于1874年秋，是比才的最后一部歌剧，也是当今世界上上演率最高的一部歌剧。四幕歌剧《卡门》主要塑造了一个相貌美丽而性格倔强的吉卜赛姑娘——烟厂女工卡门。卡门使军人班长唐·豪塞堕入情网，并舍弃了他在农村时的情人—— 温柔而善良的米卡埃拉。后来唐·豪塞因为放走了与女工们打架的卡门而被捕入狱，出狱后他又加入了卡门所在的走私贩的行列。卡门后来又爱上了斗牛士埃斯卡米里奥在卡门为埃斯卡米里奥斗牛胜利而欢呼时,她却死在了唐·豪塞的剑下。

歌剧觉得精彩的部分当然是它的音乐。最为熟知的便是《斗牛士之歌》，那是埃斯卡米里奥为感谢、崇拜他的人而唱的，那也算是西班牙斗牛的象征曲了。除此之外，卡门的咏叹调《爱情是一只自由的鸟儿》完完全全展现了一个大胆敢爱、豪情奔放的吉普赛女人的特质；唐·豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》中大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律。还有序曲等，音乐贯穿全剧，因为高兴而唱、对话而唱、预示悲惨结局而唱、诉说爱情而唱，便使得《卡门》在情节、艺术手法上有了不同凡响的效果。

特别喜欢我们看的这个版本的卡门的扮演者，给我留下了深刻印象。歌剧中的卡门事隔非常美的吉普赛人，美到只要让她看一眼你就会深深爱上她。是个奔放、不羁的女人。而扮演者虽说在美貌上差了些，但卡门的大胆，狂野，热情，忘情地舞蹈却表现得淋漓尽致。她本身就是一只跳动的音符，随着音乐为唐·豪塞翩翩起舞。她连回答审讯也用歌曲，甚至只是哼哼旋律而没什么词。就像《爱

情是一只自由的鸟儿》中唱的她就是一只叛逆小鸟，没人能捕捉她，驯服她，限制她，即使最终因为自由而死。

作品不仅仅是作品，其实它反映着一个社会的现实问题。当歌剧《卡门》首演于巴黎喜歌剧院时却遭到失败。一位批评界人士认为乐队的演奏“乱七八糟”；而另一位则评价说，乐曲缺少“创新和个性”。但在今天，《卡门》既获得了评论界的美誉，又受到了大众的欢迎，并且成为19世纪能与旷世奇才莫扎特的作品相提并论的几部歌剧之一。这只能说明巴黎上流社会无法容忍这样题材的歌剧而已。

的确，在现在的人们看来，敢爱敢恨也不是件容易的事。她愿意为了自由而牺牲所有，她敢于做男人才能做的事，她喜欢打情骂俏，自己挑选情人，并且玩弄和欺骗男人，最终又将他们抛弃。她随心所欲，自己制定游戏规则，并且总能赢。风流奢侈、自由奔放、放荡不拘。她不仅让女人们羡慕，更让男人们嫉妒，为爱她而付出一切，为失去她而伤心欲绝。在十九世纪那样一个环境背景下，我们是否可以理解为是作者通过小说展现一种美好未来的假设呢？反正比才是用音乐、表演，用歌剧完美的体现了，这也是歌剧《卡门》历经百年依旧如此受到欢迎的原因吧。

作业四 我理解的什么是歌剧?

歌剧是一种非常具有舞台魅力的多样化表演艺术─它不只呈现出音乐之美，同时它还结合 了文学、戏剧、甚至于舞台设计、服装风潮等等，而歌剧舞台上所呈现的，其实就是我们日常生活周遭的小缩影。歌剧舞台反应了我们的人生，而您在歌剧情节中，说不定也因此 可以发现您浅意识中的人格，幻化成剧中某一个人物角色，在舞台上真实地呈现出来。早在十六世纪末，意大利的佛罗伦斯城有一些受文艺复兴思想影响的、进步 的知识分子，其中有诗人里努契尼，歌唱家兼作曲家培里和卡契 尼等，他们尝试着综合音乐和戏剧的特点，模仿古代希腊悲剧，创造出一种崭新的艺术形式，这就是歌剧。

歌剧情节大都不脱离男女间的爱恨情仇，还有于国家民族意识、宗教神话色彩，都可以成 为歌剧背景的题材。透过音乐与戏剧的结合，带您的思绪进入一种跨时空的情境之中。一旦您接受了歌剧，您会发现：它是所有音乐表现型式中，最具有感官(听觉与视觉)感染力 的享受，让您不自觉爱上歌剧而无法自拔!

欧洲最早的一部歌剧 是培里根据里努契尼的剧本创作的《达芙妮》，可惜这部歌剧的乐曲已无留存。现存最早的歌剧是他们创作的《犹丽狄茜》。那时的歌剧已有一种近于朗颂式的乐调，简单的剧情中穿插一些歌 曲和合唱。伴奏乐器只有一架羽管键琴、一台七弦竖琴和几把诗琴。歌唱家卡契尼在当时还提出了要以宏亮而能致远的声音演唱 歌剧的“美声唱法”的美学和技术的要求。

歌剧是一种非常具有舞台魅力的多样化表演艺术─它不只呈现出音乐之美，同时它还结合 了文学、戏剧、甚至于舞台设计、服装风潮等等，而歌剧舞台上所呈现的，其实就是我们日常生活周遭的小缩影。歌剧舞台反应了我们的人生，而您在歌剧情节中，说不定也因此 可以发现您浅意识中的人格，幻化成剧中某一个人物角色，在舞台上真实地呈现出来。

作业五

《茶花女》是法国作家小仲马所写的一部著名的小说，描写一对年轻男女的爱情悲剧故事。威尔弟观看了话剧《茶花女》后深受感动，遂产生将其改编成歌剧的念头。《茶花女》是作曲家第一部几乎没有复杂情节的戏，一切妨碍人们把注决意力集中在女主人公的内心世界、集中在薇奥列塔高尚的人性以及她悲伤的命运之外的东西都被扬弃了。威尔弟以极大的同情心塑造了薇奥列塔的形象，细腻生动地展现了她内心深藏的爱情、痛苦和希望，使薇奥列塔成为具有进步意义的和感人至深的新形象。《茶花女》第一幕中薇奥列塔在客人们走后唱的咏叹调《真奇怪??多渺茫》是最重要和最伟大的女高音咏叹调之一，它细腻地刻画了薇奥列塔纯洁的感情和善良的性格，极富戏剧性和表现力。尤其是光辉华丽的快板，充分发挥了花腔女高音的特色和高超的演唱技巧。歌剧《茶花女》中几乎所有的二重唱都十分精彩，尤其是第一幕刚开始时薇奥列塔与阿尔弗莱德的《饮酒歌》旋律优美流畅，气氛热烈活泼，给人以极大的艺术享受和难以忘怀的印象，成为音乐会上久唱不衰、深受欢迎的保留曲目。《茶花女》中给人留下深刻印象的著名曲目还有阿尔弗莱德的咏叹调《永远忘不了那一天》等。

威尔第（1813-1901）

威尔第是意大利作曲家。生于意大利帕马省隆柯里。幼年时就显露出非凡的音乐才华，10岁在教学演奏风琴，同时担任助理指挥；12岁开始作曲。1832年，10的威尔第与一位著名的音乐家学习音乐，由于他的刻苦钻研，很快就掌握了作曲技巧。1839年，他的第一部歌剧上演，1842年创作成名之作《纳布科》，从而奠定了他成为世界著名歌剧大师的地位。其后他勤奋工作，全力以赴的创作歌剧音乐，写出《弄臣》《游吟诗人》《茶花女》《阿依达》等经久不衰的名作。

在此后间断16年的歌剧创作，直到1887年，他74岁时才重新写作歌剧，相继守成他一生中最伟大的两部歌剧作品《奥塞罗》和《法尔斯塔夫》。此时的歌剧创作，显示出更加成熟的技艺和更加深刻的思想内容。威尔第的歌剧创作，在世界歌剧史上占有着重要的地位。他是意大利抒情歌剧的主要代表人物，作品形象生动，创作手法清新，音乐感人易懂。他在歌剧中使用意大利的农民歌曲的素材，朴实流畅，朗朗上口，易学易记，优美动听的咏叹调，直到今天仍是歌剧舞台以及音乐会上盛演不衰的曲目。

威尔第在意大利人民心中享有崇高的威望。他在米兰逝世时，参加葬礼的人有二下余万人，人们高喊着威尔第万岁！威尔第永垂不朽等，当时人们的悲哀和隆重的气氛远远超过了国葬的仪典，这就足以说明威尔第在意大利人心的心目中占有多么重大的位置。

作品介绍：

歌剧《茶花女》创作于1853年，正是威尔第的创作成熟时期

剧本取材于：小仲马的小说《茶花女》

在1847年，当小仲马的小说《茶花女》问世后，威尔第读后非常喜欢，意识到这是一个很好的题材，但因其中心思想是揭露资产阶级社会的庸俗成见和虚伪道德，威尔第担心它不宜直接搬上歌剧舞台。当1852年这部小说被改编为戏剧而演出成功时，威尔第不再犹豫了，他马上请皮阿威改编成歌剧脚本，并以极大的热情开始了音乐的创作。他的灵感势如泉涌，据说仅用了四个星期就完成了这就美妙而动人的歌剧；

《茶花女》是一部描写人们熟悉的日常生活和心理状态的抒情歌剧，威尔第在歌剧中彩用了意大利生活风俗的曲调和舞曲，其音乐优美明快而又流畅，在布局上既有贯穿全剧的音乐主题的展开，又有场、段之间强烈的色彩对比。圆舞曲活泼而鲜明的音调和节奏在这部歌剧中起着重要的作用，它以不同形式在全剧中不断出现。此外独唱，重唱和合唱也安排得十分得体。他将抒情曲风格、舞曲风格和交响音乐效果融合一起，使整体音乐谐调而又统一。

《茶花女》歌剧首演于1853年3月6日，演出由于种种原因没有取得成功； 歌剧《茶花女》的故事：

薇奥列塔是巴黎一位年轻貌美的名妓。在豪华的交际生活中，她接待了一位名叫阿尔弗莱德的世家子弟，两人一见钟情。当阿尔弗莱德向薇奥列塔表示温柔而纯洁的爱情时，薇奥列塔受到深切的感动和鼓舞，决心放弃她的浮华生活，同阿尔弗莱德一齐去乡下过幽居生活。为了支付乡间生活的费用，薇奥列塔卖去她自己的财产；当阿尔弗莱德知道此情况后，深责自己对生活中的事务太不关心，于是动身于巴黎设法搞钱。

阿尔弗莱德走后，他的父亲乔治亚芒来到乡间，他请求薇奥列塔和他的儿子永远断绝关系，因为根据上流社会的成见，阿尔弗莱德和薇奥列塔的同居关系是不光彩的，并将会影响其妹妹的婚事；薇奥列塔痛苦地作出牺牲被迫答应了亚芒的要求，于是她写了一封信给阿尔弗莱德，谎称自己要重理旧业不再爱他，并将由他人供养。阿尔弗莱德见信后十分气愤和失望，他知道薇奥列塔正在女友弗洛拉的舞会上，于是也马上赶去。阿尔弗莱德来到舞会上就参加牌戏赌博，并赢了他的情敌男爵；为了避免阿尔弗莱德和男爵决斗，薇奥列塔请求阿尔弗莱德离开这里，而阿尔弗莱德要她一同离去，但薇奥列塔不能违背自己对亚芒的诺言，因而不答应一同离去，阿尔弗莱德误认她确已变心，出于极大的愤怒，阿尔弗莱德把客人召集起来，把赌牌赢得钱扔在薇奥列塔脚下，并声称偿还他们在乡间生活的费用，以此来侮辱薇奥列塔，发泄他的怨愤。

早已染上肺病的薇奥列塔在沉重的悲痛下，病情更加严重，医生向她的女仆宣告她已命在旦夕。这时亚芒出于忏悔把实情告诉了他的儿子，阿尔弗莱德急忙赶回薇奥列塔的身边，于是在他们心中又燃起了昔日的爱情。然而，欢乐不能久长，垂危的薇奥列塔的生命很快就哀竭下来，一切已经晚了，薇奥列塔就这样悲惨地离开了人世。

《茶花女》共分三幕，三幕布景都取景于客厅中，威尔第所创作的音乐与环境十分谐调，音乐时而活泼，时而悠扬，即或出现激动之处，也是带有忧郁和悲愁的。

此刻我们欣赏作品中我最喜爱的两个片段，一是《饮酒歌》，一是《永远忘不了那一天》；

《饮酒歌》：

饮酒歌，是饮宴时唱的歌。它起源于民间。十九世纪以后，欧洲一些歌剧里出现饮宴的场面，也用了饮酒歌，其中以威尔第的歌剧《茶花女》，玛斯卡尼的歌剧《乡村骑士》里的饮酒歌最著名；

歌剧《茶花女》里《饮酒歌》，出现在第一幕开始不久，剧中女主人公薇奥列塔久病初愈，在家里举行宴会。青年阿尔弗莱德被朋友加斯东拉来玩。在薇奥列塔生病的时候，许多有钱的朋友都远离了她，只有一个和她素不相识的青年每天暗地里送给她鲜花，探问她的病情，使薇奥列塔十分感动。此时，薇奥列塔经加斯东介绍，才知道那个送花人就是面前这个青年人，当然十分高兴。席间，阿尔弗莱德应大家请求，唱了一道饮酒歌。他为青春，为美好的爱情干杯。在歌声里，他向薇奥列塔表示了爱慕之心，薇奥列塔也在祝酒时巧妙地作出回答，客人们的伴唱，更增添了这首歌的热烈气氛。

这首《饮酒歌》是降B大调，3/8拍，用单三部曲式写成。它的曲调反复三遍，头两遍分别由阿尔弗莱德和薇奥列塔演唱，第三遍是客人们的合唱，由于转到属调，在降E大调上，情绪显得更加热烈。歌唱中在唱到B段时，又转回到降B大调时，在演唱形式上采取薇奥列塔和阿尔弗莱德相互交替的唱法，表达了他们之间互相爱慕的心情，到A段再现时，他们和客人们一起合唱，在欢乐的尾声中结束；

《饮酒歌》是一首十分精彩的作品，是外国歌剧选曲中人们最熟悉的曲调，也是最受欢迎的选曲之一；

《永远忘不了那一天》阿尔弗莱德的咏叹调

《永远忘不了那一天》是歌剧《茶花女》第一幕里男主人公阿尔弗莱德唱的一段著名的咏叹调。它的后半部分，是阿尔弗莱德和薇奥列塔的二重唱。

薇奥列塔由于身体虚弱，经不起宴会的喧闹，感到不适，她请客人们到大厅里跳舞，自已来到厅外休息。没想到，阿尔弗莱德一直跟在她身边。阿尔弗莱德劝薇奥列塔放弃纸醉金迷的生活，并向她表白了爱情。当薇奥列塔问起阿尔弗莱德从什么时候对她产生感情的？阿尔弗莱德回答说：“一年多了”。接着，他唱起了这段咏叹调，来表白内心的情感；这段选曲是F大调，3/8拍，开始是小行板。

薇奥列塔听到阿尔弗莱德的表白，虽然很感动，但是，她还是拒绝了他。因为她感到阿尔弗莱德的感情太真诚了，她不愿这样的一个人为她作出牺牲。这一段作曲家用华丽、俏皮的花腔写成，刻画了薇奥列塔轻浮的一面。而阿尔弗莱德在重唱里，不断唱着爱情的燃烧，沉醉在美好幸福的向往之中。后半段的重唱，把两人的心情，个性刻画得十分细致。这个选段虽然不长，但在作曲技巧上却是十分的高明。

威尔第的《茶花女》一部经典的作品，不知听了多少遍，不知看了多少遍，至今仍是那么的喜爱。在此，愿更多的人走进威尔第的世界，走进茶花女的世界，去细腻的品味其中的味道！音乐视频网上的《茶花女》是20xx年2月在意大利布赛托威尔第剧院录制；

安娜·尤利耶芙娜·奈瑞贝科（俄文：Анна Юрьевна Нетребко，转写：Anna Jur'evna Netrebko，19xx年9月18日－）是来自俄罗斯，当红于世界歌剧界的女高音歌手。她不仅具有华丽的嗓音，扎实的歌唱基本功，而她的美貌更是为人所称道。她与更因男高音罗兰度·维拉臣多次成功合作，而和其被并称为当今歌剧界的「梦幻情侣」

奈瑞贝科出生于俄罗斯西南部的克拉斯诺达尔市，后入读圣彼得堡音乐学院。求学时期曾在圣彼得堡马林斯基剧院兼职洗地板的女工。不过后来她在剧院求职面试时，被剧院的艺术总监瓦列里·格吉耶夫认出。格氏相当欣赏其嗓音，自此成为她的声乐入门导师。而在19xx年，奈瑞贝科得到首次歌剧演出机会，就是于在格吉耶夫指挥下的马林斯基剧院出演《费加罗的婚礼》中的苏姗娜。而奈瑞贝科还在马林斯基剧院担任过《梦游女》，《魔笛》，《拉美摩尔的露契亚》和《塞维利亚的理发师》当中的女主角。

奈瑞贝科在19xx年首次在美国登台，在三藩市歌剧院饰演《鲁斯兰与柳德米拉》中的柳德米拉一角。此后她开始在美国各地的巡回演出，并因对角色准确的理解和艺术形象的塑造而成为俄语歌剧最有力的代言人。她在《战争与和平》，《沙皇的新娘》和《情定修道院》等俄语歌剧的演出，更被奉为经典。而奈瑞贝科的美声技巧也毫不逊色。她在《弄臣》，普契尼的《波希米亚人》和《卡普烈特与蒙太奇》中出演的美声角色也是为人津津乐道。

20xx年，奈瑞贝科出演了纽约大都会歌剧院首次排演的《战争与和平》，并作为自己在该院的首次演出。同年，她首次参与萨尔茨堡音乐节，并担任了尼古劳斯·哈农库特指挥的《唐璜》中的女主角。

20xx年，奈瑞贝科发行了第一张唱片《歌剧咏叹调集》。这张唱片成为了当年最畅销的经典音乐唱片。20xx年，承接前一年的成功，她与指挥家克劳迪奥·阿巴多合作，发行了另一张咏叹调什锦唱片《向来自由》（Sempre Libera）。20xx年，她与墨西哥籍男高音罗兰度·维拉臣共同出演了《罗密欧与茱丽叶》和《爱情灵药》，获得广泛好评。同年稍后，她与维拉臣共同主演了萨尔茨堡音乐节重新编排的现代版《茶花女》，更引起轰动。两人「梦幻情侣」之说，亦由此而兴。

20xx年底，奈瑞贝科宣布和乌拉圭男中音埃尔文·施罗特 (Erwin Schrott)订婚。20xx年2月，奈瑞贝科宣布自己已经怀孕，预产期在同年的秋天。[3]

奈瑞贝科被誉为当今俄罗斯声乐学派正宗传人。她的嗓音兼具浑厚清亮、华丽圆润，因此她既可作为抒情女高音，也可出演庄重女高音的角色，而她的花腔唱段的生命力和穿透力更是一绝。而音域方面，她能毫不费力得唱到降E6甚至E6的高音。

罗兰多·维拉泽恩——又一位来自拉丁美洲的男高音歌唱家

“全年歌剧奖”推出的墨西哥人

最具实力的男高音歌唱家无疑要到歌剧舞台上去寻找。32岁的墨西哥男高音歌唱家罗兰多·维拉泽恩Rolando Villazon，荣获了20xx年度慕尼黑

"E-choKlassik"音乐大奖的全年歌剧奖。这个自19xx年开始举办的国际古典音乐唱片大奖享有极高的声誉。这个大奖设立了多个奖项，表扬古典音乐家的艺术成就，郎朗获本届全年乐器演奏奖(钢琴)，俄罗斯大提琴家罗斯特罗波维奇获音乐大使特别奖。维拉泽恩在歌剧界的脱颖而出，再一次将人们的眼球吸引到了拉丁美洲，使人们感到，另一位杰出的阿根廷男高音库拉的出现不是偶然的。 在这个演出季，罗兰多·维拉泽恩将在歌剧的最高殿堂——纽约大都会歌剧院演唱《茶花女》中阿尔弗莱多，这个角色他已经在巴黎、柏林、旧金山等地的歌剧院演唱过几十场了，评论家说他声音光彩照人，那儒雅的演唱活脱是一个阿尔弗莱多；他演唱的《艺术家的生涯》中的鲁道夫，漂亮的声音极具分量和色彩，他塑造的这个诗人形象热情而极富感染力。他还将在科文特花园演唱《霍夫曼的故事》中的霍夫曼，在荷兰歌剧院唱《唐卡洛》中的唐卡洛??，他的足迹已经遍及欧美众多的歌剧院，大都会、科文特、格林德伯恩、巴黎（巴黎歌剧院和巴士底歌剧院）、里昂、柏林、汉堡、慕尼黑、维也纳、巴塞罗那、阿姆斯特丹、布鲁塞尔，当然还有墨西哥；所到之处掀起阵阵“墨西哥旋风”，备受好评。罗兰多·维拉泽恩在歌剧舞台上如鱼得水，表演有戏剧的深度，声音饱满，能够穿透过合唱与乐队，评论家说他那“娴熟的技巧不露痕迹，演唱显示出他的灵气。虚与实、刚与柔、激情与内敛的对比，形成了一种抒情性。这位年轻人能应对当今的各种挑战，同时又深具老一辈大师的传统。”

罗兰多·维拉泽恩19xx年出生在墨西哥城。11岁那年，他进入Espacio学院，学习音乐、表演、现代舞和芭蕾舞。19xx年，他遇到了男中音歌唱家Arturo Nieto，使他接触到了歌剧世界，并开始学习声乐。两年后，他进入了墨西哥国立音乐学院，师从Enrique Jaso，并参加了三部歌剧的演出。在国内的两次大赛中获奖后，他成为了男中音Gabriel Mijares的学生。19xx年，他到旧金山歌剧院参加了萨瑟兰的大师班，并在那里演唱了《茶花女》中的阿尔弗莱多。接着，他在匹兹堡歌剧院出演了贝里尼的《凯普莱特的蒙泰古》中的台巴尔多和《拉美莫尔的露其亚》中的艾德嘉多，以及塞缪尔·巴伯的《伐奈莎》。19xx年，罗兰多·维拉泽恩在多明戈歌剧比赛中获二等奖和萨苏埃拉奖。20xx年，他荣获法国政府为表彰外国新人而颁发的Les Victoires de la Musique奖。 心理解析显“魔法”

一位德国歌剧女明星曾经提到过：“有一句老话说，戏剧院是精神病院，而歌剧院就是重症监护室。”她说这是马勒说的，马勒对此深有体会。他的交响曲中总是充满着躁动，他掌管着维也纳宫廷歌剧院，当他感到极度烦恼时就去看心理学家弗洛伊德。

有相当多的歌剧演员认为他们必须为他们所从事的艺术而保持一种“神经冲动”，公众也是这样认为的。罗兰多·维拉泽恩在9年前开始接受系统的心理分析，从而使他三年之后登上了舞台，他有时还谈起这一说法。

他一直担心：“倘若精神分析使得我看起来像常人一样，神经不冲动了，我不再是一个演艺家了怎么办？”当然，担心是多余的。在他职业生涯的这第六个年头，阿姆斯特丹、柏林、伦敦、巴黎和维也纳的观众对这位热情年轻的歌唱家发出喝彩，将他视为升起的巨星。他于1月29日在洛衫矶歌剧院亮相，在古诺的《罗米欧与朱丽叶》中与俄罗斯女高音安娜·涅特列布科配搭档，演唱了罗米欧。他将那位冲动的年轻情人角色扮演得惟妙惟肖，尽管在台下，大家都说他是罗万·阿特金森扮演的“憨豆先生”（他的神态酷似后者）。他的妻子，心理医生露西亚透露了维拉泽恩得益于接受心理咨询的这一事实。那时他在教授历史课，同时学习声乐，当时并没有明显的疾病危象。

作业六

贾科莫·普契尼

生平简介：贾科莫·普契尼（Puccini Giacomao，1858—19xx年），是继威尔第之后意大利最伟大的歌剧作曲家，是“真实主义”歌剧乐派的代表人物。普契尼1858年11月23日生于卢卡，19xx年11月29日卒于布鲁塞尔。父亲米凯莱从事作曲、演奏、教学活动，在普契尼6岁时就去世了。普契尼童年时并没有显示出特殊的音乐才能或兴趣，由于亲人的希望和母亲的鼓励，进入卢卡音乐学院，师从作曲家C．安杰洛尼学习后，才逐渐显露出音乐才华。16岁参加管风琴比赛获得第一名，19岁担任圣马丁教堂合唱队长和管风琴师。他生活贫困，当邻近城市上演G．威尔第的《阿依达》时，他徒步往返去听歌剧。这部歌剧使他十分震动，并立志要成为一名歌剧作曲家。1880年普契尼入米兰音乐学院，师从A．蓬基耶利和A．巴齐尼学习。1883年毕业，他的毕业作品《交响随想曲》获得好评。他的老师蓬基耶利看出他的才华更适于舞台音乐的创作，于是请人根据《吉赛尔》的题材为他编写歌剧脚本，参加歌剧创作比赛。普契尼写成独幕剧《群妖围舞》，虽然落选，但在米兰上演时却获得好评。他的第二部歌剧《埃德加》由于脚本不佳，以失败告终。他由此认识到，歌剧的成功有赖于好的脚本，它应该吸引人、感动人。这种追求，成为他后来作品的戏剧结构的重要特色。1893年，普契尼根据法国古典名著《曼侬·莱斯戈》写了一部同名歌剧，在都灵上演。虽然这部作品不如法国作曲家J．马斯内写的同名歌剧成熟，但是许多方面标志着作者的创作个性、艺术风格和思想倾向正在形成。作为意大利真实主义歌剧的主要代表人物，普契尼在创作题材和内容方面，致力于表现普通人的情感和命运，

真实地揭露社会的不平等、不公正，将满腔同情寄予那些心灵美好却遭遇悲惨的小人物。他笔下塑造得最成功的，是一系列感情丰富，悲剧性的妇女形象。《曼侬·莱斯戈》的结构灵活，采用多变的朗诵调和管弦乐交织而成的贯串发展手段，加强了乐队的表现力和地位，音乐的地方色彩浓郁。作者从此一举成名。以后，普契尼连续创作了3部最重要的作品。《艺术家的生涯》（又名《波希米亚人》）是为普契尼奠定国际声誉的一部名歌剧。素材取自法国作家亨利·缪尔杰（1822—1861）的小说《波希米亚人的生活情景》。1896年，歌剧《艺术家的生涯》在都灵首演。这部为世人所热爱的作品，首演时尽管并未成功，但两个月后在巴勒莫再度演出时，却获得狂热的欢迎，确立了普契尼的世界性地位。在这部作品中，普契尼的着眼点不在于描绘巴黎拉丁区落魄的艺术家们放荡不羁的生活，而在于描述绣花女咪咪与诗人鲁道夫的纯真爱情的悲剧。剧中没有戏剧性展开的大段咏叹调、重唱、合唱，而是在贯穿发展的织体中加进篇幅不大的独白、灵活的歌唱性的朗诵调和尽情吟唱的段落。他用主导动机巩固各场之间的联系，并且初次运用印象派的色彩和声。这部歌剧很受听众欢迎。19xx年，以V.萨尔杜的剧本改编的歌剧《托斯卡》在罗马上演，受到凯旋般的喝彩。这部歌剧是以法国大歌剧风格写的，它反映了历史英雄的题材。主导动机发展丰富，有充分展开的大段二重唱，和声复杂，终场写得很富于效果。此剧可以说是普契尼后期作品中典型的真实主义杰作。19xx年，普契尼根据D．贝拉斯科的剧本写的歌剧《蝴蝶夫人》在米兰拉斯卡拉歌剧院上演。这部作品又回到室内风格的抒情歌剧上来，不追求描述外在事件的舞台效果，集中刻画女主人公的复杂心理。由于剧情的社会背景是日本，在音乐上渲染了东方情调，运用了真正的日本曲调和五声音阶，而在配器上则借鉴了印象派的音响造型手法。上述3部歌剧，被搬上世界各国舞台，至今盛演不衰。 普契尼后期的作品有明显的自然主义色彩，追求离奇的情节、刺激性，或表现暴力。如19xx年在纽约上演的《西部女郎》，运用了美国黑人的拉格泰姆音乐和印第安的歌词，美国西部音乐色彩浓郁，戏剧矛盾跌宕起伏，使这段暴力故事更带有刺激性和自然主义色彩。但场面与音乐的联系不紧密，如今很少演出。普契尼的最后一部歌剧《图兰朵》取材于C．戈齐的神话剧，在这部作品里他坚持了创作的现实主义原则，摆脱了原著的象征性，使全剧充满生活气息，人物都是富有激情的活生生的人。他在这里一反过去常采取的抒情室内风格，恢复了几乎被人忘却的意大利正歌剧风格，有雄伟的合唱、辉煌的独唱段落、丰富多彩的音响效果等。由于戏剧的背景是古代中国，采用了中国民歌《茉莉花》的曲调，但其他方面并无中国特色。他在剧中广泛运用了欧洲的古调式，有些表现性强的场面，运用现代和声，形成不协和的多调性结合。可惜写到第三幕时普契尼因病逝世，剩下的部分由他的学生F．阿尔法诺根据他的草稿完成。19xx年4月，当《图兰朵》在著名的斯卡拉歌剧院首演，获得巨大成功。指挥大师托斯卡尼尼在第三幕临近结尾时放下指挥棒，转向观众低声宣布：“大师的作品在这里结束。”普契尼一生共创作了12部歌剧，至今仍在世界歌剧舞台上经常演出的主要有4部：《艺术家的生涯》、《托斯卡》、《蝴蝶夫人》和《图兰朵》。纵观普契尼的歌剧作品，虽然都与爱情相关，但是透过丰富的管弦乐法和音乐美学，再配合张力十足的戏剧情节，他塑造了歌剧史上最具有代表性的女性角色，从温柔抒情的咪咪（《艺术家的生涯》）、柳儿（《图兰朵》）、巧巧桑（《蝴蝶夫人》）到个性刚烈的托斯卡、杜兰朵以及游戏爱情的穆塞塔（《艺术家的生涯》）、曼侬·莱斯戈等等，普契尼为歌剧舞台树立了经典的女性角色。19世纪末至20世纪初，普契尼领导歌剧进入了新的时代，他取得了国际性的成

功。普契尼继承了意大利歌剧的现实主义传统和人道主义精神，大胆地将意大利传统中自由的旋律和现代音乐的新要素结合起来，创作出了色彩丰富、细腻婉转的管弦乐。普契尼发展了威尔第晚期的艺术成就，不断探索革新艺术表现手法。他借鉴各民族乐派的成就，顺应时代的潮流，兼收并蓄了当代和声、管弦乐法、曲式等方面的新技巧，创造了意大利歌剧新的形象性的朗诵和咏叙风格，乐队担负戏剧性布局的作用，积极参加到舞台情节的发展中去。他力求使歌剧的戏剧性布局动力化，其作品充满异国情调，剧情紧凑，题材罕见而又吸引观众，具有强烈的震撼力。普契尼的创作和艺术实践对20世纪的歌剧发展有巨大影响。在普契尼的推动下，意大利作曲家们创作出了大批以各地乡村生活为主题，具有新的演唱风格的真实主义作品。

《托斯卡》是意大利伟大的作曲家普契尼根据法国剧作家萨尔杜的同名戏剧改编创作而成的一部三幕歌剧，歌剧讲述了1800年发生在罗马的一个动人的爱情悲剧故事。《托斯卡》是一部在世界歌剧舞台上演出次数最多，也是目前最受人们欢迎的一部歌剧。今天，它已成为众多歌剧院中的保留剧目。歌剧《托斯卡》于19xx年在罗马首演。今年正好是其问世100周年。

歌剧《托斯卡》的故事情节讲述的是，1800年的罗马，画家卡瓦拉多西由于掩护了越狱的革命党人而被警察局逮捕监押。画家的恋人、歌剧演员托斯卡找到警察局局长斯卡皮亚求他宽容。斯卡皮亚早就垂涎托斯卡的美貌，于是便提出要托斯卡出卖自己的身体来换取卡瓦拉多西的生命与自由。如果托斯卡同意，他便可以执行一个假死刑。

为了救出自己的恋人，托斯卡在斯卡皮亚的淫威之下只得同意了他的无耻要求，就在斯卡皮亚奸笑着说道：托斯卡啊，你终于是我的了。在他欲拥抱她时，托斯卡情急生智地抓起了桌子上放着的一把匕首猛然刺进了斯卡皮亚的胸膛。

凌晨，在楼顶平台的刑场上，托斯卡告诉卡瓦拉多西这是一次假行刑，并特别叮嘱他在枪响之后千万要装死别动，等人群散去之后，他们便可以远走他乡。然而当行刑的枪声过后，托斯卡才发现原来她受骗了。就在托斯卡为失去恋人而悲痛异常的时候，斯卡皮亚的手下也发现了他们长官的尸体并前来捉拿托斯卡。当警察和士兵们冲到托斯卡的面前时，托斯卡愤怒地高喊着：斯卡皮亚，我和你一起去见上帝！说完，托斯卡猛然纵身跳楼自尽了……

《托斯卡》虽然是一部爱情的悲剧，但其中作曲家普契尼却为其写出了许多情意缠绵、音乐优美的咏叹调与重唱，如托斯卡的咏叹调“为艺术、为爱情”，卡瓦拉多西的咏叹调“多么奇妙、多么和谐”与“今夜星光灿烂”等。100年来这些不朽的旋律不仅经常在歌剧演出之外的音乐会舞台上被广为演唱，而且还成为了当今许多国际声乐比赛的重要参赛规定曲目，由此足见普契尼音乐的动人与美妙。

多明戈（Placido Domingo，194l-），西班牙著名男高音。19xx年1月21日生于马德里，19xx年随父母到墨西哥，学钢琴和指挥，后又学声乐，19xx年首次以男中音在西班牙方言歌剧中演唱，演唱男高音则始于19xx年在《茶花

女》中饰演阿尔弗雷德。多明戈1962-19xx年为以色列国家歌剧院成员，在12部歌剧中演唱了300多场。19xx年，多明戈被邀请到纽约市歌剧院，19xx年大都会歌剧院上演契雷亚的歌剧《阿德里安娜·莱科夫露尔》，原定主演科莱里有病，他顶替而演唱，引起轰动。19xx年，多明戈与萨瑟兰合作演出《拉莫摩尔的露契亚》，与泰巴尔迪合作演出《艺术家的生涯》，与普赖斯合作《游吟诗人》，与尼尔森合作《图兰朵》，在大师的扶植下，他渐渐成熟。19xx年多明戈首次录制唱片，由梅塔指挥，录《游吟诗人》，与他合作的是普赖斯、柯索托和米尔恩斯。70年代是多明戈艺术上最辉煌的时期，他成为公认的威尔第和普契尼作品的诠释者。1974和19xx年他分别突破了威尔第歌剧中难度最高的两个男高音角色：《西西里晚祷》中的阿里戈和《奥赛罗》中的奥赛罗，奥赛罗的形象成为他饰演的作家角色。整个70年代，他每年要演出75场歌剧，平均每5天唱一场，差不多所有最受欢迎的歌剧的唱片都邀请他演唱，他的演出场次到19xx年时已达1900场，相当于两个人的演出生涯。进入90年代，多明戈主要是与帕瓦罗蒂、卡雷拉斯的联袂演出。

卡巴娃斯卡、多明戈和米尔恩斯领衔主演的《普契尼：托斯卡》在20xx年的《企鹅古典唱片指南》中推荐为四星。

保加利亚的殿堂级女高音卡巴娃斯卡(Raina Kabaivanska)自19xx年首登舞台一鸣惊人，凭着她温婉典雅的嗓音，演绎细腻的歌唱技巧扬名乐坛。她曾参与多个大型歌剧演出，经验丰富非常，当中以演绎普契尼(Giacomo Puccini)的[托斯卡(Tosca)]更是她的首本名作之一，更被誉为是这角色的最佳诠释者。